Jake LaMotta - El Toro Más Salvaje del Bronx

Desde niño LaMotta peleaba con los niños de su misma edad en el vecindario del Bronx, por estos hechos llegó a decir frases como: "pelear era algo muy natural para mí". Pero no todo quedó en peleas infantiles. A los diesiséis años comenzó a robar junto con algunos amigos de su vecindario, su carrera criminal finalizó cuando lo encerraron en una correccional para menores, en ese lugar Jake, aprendió a boxear, así comenzaría su extraordinaria carrera.
Su primer combate profesional fué el 3 de Marzo de 1941, ganando por puntos en cuatro rounds a Charley Mackley. Realizo sus primeros quince combates en New York, ciudad donde nació el 20 de Julio de 1921. En aquellos tiempos se vivía muy intensamente en el público cuando un boxeador con descendencia italiana peleaba, por esto era que Jake fué muy apoyado por el público. Estos primeros combates LaMotta los hizo en el límite de la categoría mediano y algunos en semi-completo, luego de ganarle a Cliff Koerkle el 11 de Agosto de 1941 en el Bronx, su récord era de 14-0-1(3KO).
El 5 de Febrero de 1943 enfrentó por segunda vez al gran Sugar Ray Robinson de Detroit, la pelea fué intensa, pero en el octavo round LaMotta le lanzó una derecha a la cabeza combinando con un gancho zurdo al cuerpo y eventualmente Robinson cayó saliendo entre las cuerdas, cuando la cuenta del referee estaba por 9 la campana sonó dando por teminado el round, la pelea llegó hasta el décimo y último round, las tarjetas fueron en favor por decision unánime para Jake LaMotta.
1944 fué uno de los mejores años para Jake LaMotta,inició el año boxístico enfrentando por cuarta vez consecutiva a Fritzie Zivic, a quién volvió a vencer por desicion unánime en el décimo round. Venció dos veces en forma consecutiva a Ossie Harris, ambas peleas en Detroit, el 21 de Abril llegó su única derrota del año frente a Lloyd Marshall, con quien perdió por decision unánime en 10 rounds en una dura pelea en que ambos absorvieron y propinaron gran castigo,el 29 de Septiembre conseguiría una notable victoria frente a George Kochan, venciéndolo nuevamente, esta vez por KO. en el noveno round.
El 14 de Noviembre de 1947 en el Madison Square Garden, a LaMotta se le consiguió una pelea ante un oponente noqueador llamado Billy Fox. Días previos al combate, Jake era el gran favorito en las apuestas , pero en el día del pesaje se escucharon rumores de que Jake se iba a "tirar"(término de rendición voluntaria). La pelea se realizó...en el primer round LaMotta conmueve a Fox con un gancho de izquierda, Fox estaba a punto de quedar KO, pero LaMotta en vez de darle una paliza, lo sujetaba. Luego de este insólito primer round, Jake se quedó entre las cuerdas recibiendo golpes sin oponer resistencia. Ante tal situación el referre no tuvo otra opción que detener la pelea, declarando derrota para LaMotta.
Muchos años desués en un juicio en contra el crímen organizado, Jake LaMotta declaró que la mafia ítalo-americana le propuso la pelea contra Fox, con la condición de que se tirara y de esa forma le otorgarían la chance para pelear por el título mundial mediano.
Jake LaMotta siempre supo, más bien había sido advertido, por la mafia, de que si él, querría ser el campeón mundial de los pesos medios, tendría que someterse a las cláusulas y a los tratos de palabras(tratos que valen mucho más que los redactados sobre un papel, ya que está en juego el honor) que tendría que seguír paso a paso todas las instrucciones que recibiera desde los Capos de las Familias que tenían interéses creados en el mundo de las apuestas del boxeo.
Luego de perder el título frente a Sugar Ray Robinson, LaMotta volvió a pelear el 27 de Junio de 1951 en el Yankee Stadium de New York enfrentando a Bob Murphy, la pelea fué en semi-completo, en este combate quedó claro que las mejores épocas como boxeador de Jake, habían pasado, luego de recibir cierta cantidad de golpes, LaMotta sólo se quedaba en su rincón, el toro del Bronx perdió por KO técnico. Jake LaMotta fué campeón mundial de peso medio desde 1949 a 1951, su record profesional fué de 83-19-4(30KO).
Jake LaMotta tenía un estílo agresivo, algunos expertos de aquella época decían que peleaba como si no mereciera vivír, esto se decía porque LaMotta iba siempre hacia adelante, y aunque recibiera castigo no amarraba ni retrocedía, seguía atacando con golpes curvos y certetos. De todos ellos, su mejor arma era su gancho de izquierda, tanto a la cabeza como al cuerpo, Jake no tenía mucha potencia, su record lo demuestra, pero a todos los boxeadores que mandó a la lona, fué por lo fuerte que LaMotta atacaba el cuerpo de sus adversarios, los desgastaba y castigaba sin piedad, también cuando golpeba repetidamente el mentón de sus contrincantes conseguía derrivarlos, pero como se mencionó antes, Jake se llevaba mucho castigo, incluso ganando y en muchas de sus peleas salía cortado o con la cara inflamada, pero su mandíbula de acero le permitía aguantar, tanto aguantaba que nunca perdió por KO efectívo.
En 1953 compró un club nocturno, el cual era atendido por él mismo y en el que hacía también de anfitrión cómico, al que llamó "Jake LaMotta's", luego de varios problemas legales, perdió dicho club, incluso estuvo un tiempo en la cárcel cuando se le vinculó que dejaba entrar a chicas menores de edad, a las cuales las prostituía.
Posteriormente se realizó la autobiográfica cinta "Raging Bull"(toro salvaje). En 1980, la cual estuvo dirigida por Martin Scorsese y protagonizada magistralmente por Robert Deniro en el papel de Jake LaMotta, el propio LaMotta intervino en varios pasajes de la película. Fué filmada en B/N, y la fotografía estuvo a cargo del genial Michael Chapman, la película obtuvo dos premios de la academia, mejor montaje y mejor actor, premio que se llevó Deniro.
Robert Deniro tuvo que subir cerca de 27 kgs; marcando así un record, tuvo que engordar especialmente para la transición de la película, la escena en que Jake LaMotta se retira del boxeo para hacerse cargo del club nocturno.
Luego del estreno de "Raging Bull", a la cual obviamente LaMotta y sus familiares fueron invitados, al salir del cine Jake le preguntó a su ex-esposa Vicky: "yo era así?" (refiriéndose a la interpretación de Robert Deniro), a lo cual Vicky respondió: "No... ¡eras peor!".

Los gustos y el Cine

Hace tiempo que no veía una gran cantidad de películas de corrido, pero lo mejor de todo fue que vi mucho cine “Gore”, clase B y cyber punk japonés. Muchos compañeros cuando entraron a estudiar cine, tenían como preferencia o al menos veían este tipo de cine, sin embargo ahora solo son seducidas sus mentes con cine de autor y películas artísticas, se han olvidado de la guerra de las galaxias y de los bueno momentos que pasaron cuando vieron películas de acción, fantasía o ciencia ficción. Yo en lo personal he descubierto mucho cine y muchas películas ampliando mi gusto, como así también, las ganas de conocer más estilo y ver películas desconocidas y de difícil acceso. El cine que he descubierto eso si, no le ha quitado terreno a mi gustos primarios, si no que han confirmado que el cine me gustaba más de lo que yo creía, ya que a diferencia de muchos yo no me avergüenzo y sigo siendo fans de las películas que me motivaron a estudiar cine. Creo que es esta la razón o la explicación más lógica de que cuando la gente después de saber que estudio cine muy contenta me pregunta:” ¿haces cine arte?”, queda un poco decepcionada cuando le digo que no soy un artista y que quiero hacer un cine que mezcle diferentes estilos, pero por sobretodo con un mensaje claro, critico, social, pero vertiginoso dinámico y en lo posible entretenido. Entonces me dicen pero ese cine no es perteneciente a nuestra cultura, es demasiado oriental, muy tecnológico y con una visón pesimista acerca del futuro, pero es precisamente eso lo que a mi me atrae y me mueve, así como a los chilenos que les motivo el Dogma, el Neo Realismo italiano o la nueva ola francesa. Pero claro hay que copiarle a Europa, hay que estar en esa sintonía, ya que el cine norteamericano no tiene crédito alguno. En Estados Unidos se produce cine de gran calidad que no es perteneciente al cine de entretenimiento, que puede competir fácilmente con las películas europeas y para que decir en Japón, Corea Del Sur y China. Aunque yo reconozco que si bien no creo que haga cine de pura entretención, este me simpatiza igual que cuando era pequeño, además que sigo quedando perplejo por la tecnicidad y pulcritud de estos trabajos, que si bien son solo un producto económico, son un producto de calidad garantizada(Efectista tecnicamente, el guión es otro tema) ya que te prometen pasar un buen rato y generalmente te lo cumplen. Ahora si a alguien en el Cine.... La mina le dijo que NO, cuando la invito a ver "El Hombre Araña"... no es culpa de la película. (Y seguro que quedo resentido).

Estructura dramática de Pulp Fiction

En Pulp Fiction se usa un método bastante novedoso para el cine comercial holywodense, ya que se utiliza un plan dramático circulado mezclado con historias paralelas desordenadas cronológicamente que a veces se entrelazan. Como recordaremos la película empieza con la escena del planeamiento del asalto entre Honey Bunny y Pumpkin terminando abruptamente en un corte cuando Pumpkin anuncia que lo del asalto con una frase (que al volver ya en el final de la película no es exactamente igual) que dice algo así como: “si algún capullo culiado se mueve, ejecutaré hasta al último hijo de puta de ustedes”. Al volver al mismo plano que es exactamente igual dice algo más parecido a esto: “si algún capullo culiado se mueve, los ejecutaré a todos ustedes, hijos de puta!”… Aquí la película vuelve al inicio descontinuado y continúa haciendo lo que haría cualquier film cronológico. Lo interesante es el Juego intencional que hace desde el guión, ya que si bien el sentido de la frase es el mismo, no está dicho de forma igual, por lo que esta escena se filmó dos veces, ya que en el montaje se pudo haber utilizado la copia exacta de la escena que se usó al principio. Esto es muy interesante y sobre todo por que viene desde el guión, lo que me lleva a pensar de que si uno está contando una historia y después viaja cronológicamente a otro punto de esta, al dejar inconclusa la primera parte y después retomarla, esta ya no se contará exactamente igual en lo formal pero si continuará el mismo sentido y fondo.

Otro aspecto a destacar de esta película son las continuas citas a personajes y épocas, como también a distintos tipos de cine de acción y películas de menos presupuesto. Esto hace que los diálogos estén perfectamente ubicados y sean estos también el hilo conductor de la película ayudando al plan dramático y a la progresión de este. Es muy gratificante repasar los textos o diálogos de Pulp Fiction, ya que están muy bien trabajados, habiendo muchos que se hicieron célebres como el caso del dialogo del cuarto de libra, el monólogo de la historia del reloj, etc. Ahora lo destacable es que esta película no depende exclusivamente de la acción y los disparos, ya que los personajes son externamente esteriotipados, sin embargo sus pensamientos son los de cualquier mortal, dotando esto a los personajes de ricas y complejas estructuras que aportan tanto a la historia como al análisis posterior más psicológico.


Jules y Vincent son dos sicarios que sirven y trabajan para Wallace quien debe ausentarse, encomendando a Vincent que cuide a Mia, su atractiva y hermosa novia. Compromiso, bastante difícil ya que el anterior hombre contratado para esa misión fue muerto por el mismo Wallace. Vincent quiere y pretende hacer su trabajo rápida y eficazmente, pero Mia manipuladora de forma persistente, insiste en salir a cenar juntos, donde desatan su talento bailando de forma improvisada. Cuando finalmente llegan a casa, la linda mujer sufre una terrible sobredosis de heroína y Vincent tiene que acudir a un amigo (el proveedor) para que lo ayude a solucionar el grave problema.
En este complejo escenario o situación, Tarantino diseña y crea una compleja serie de situaciones que narra de forma episódica donde hay personajes como: Un boxeador fracasado, un narcotraficante histriónico, un retrasado metal, homosexuales sadistas, y un sinnúmero de personajes que interactúan provocando una novedosa amalgama de situaciones con destino a un final poco predecible.

Está película creo que es una clara muestra del cine actual, del cine post-moderno, ya que se replante las variantes narrativas y le entrega bastantes herramientas de interpretación al actor. Además siempre está mezclando culturas, épocas, cultura global televisada en donde no existe un personaje principal (Pasando a ser más una historia coral), como la ruptura de arquetipos y el uso de la ironía como reconstrucción del melodrama y el apelar a la memoria cultural, pero cultural del devenir de las mezclas y la alusión a dichos elementos. Por ejemplo el hablar de la comida rápida, comerla y utilizarla como elemento de castigo. Otro ejemplo es el uso de la música y secuencias musicales, que van desde citas a películas de baile como al video clip. Ahora en lo que no fue para nada rupturista don Quentin, fue en el elegir el tipo de música y también en el increíble casting, que es literalmente una constelación de estrellas, además de que son rostros, son todos ellos actores de elite teniendo actuaciones muy bien logradas bordeando la perfección. Otra cosa que hay que tener en cuenta es la maximización de los recursos disponibles. Pulp Fiction parece realmente una superproducción, sin embargo cuando vi el macking of me enteré de que la película no había costado más de ocho millones de la moneda verde, lo que supone una película de presupuesto medio o bordea el bajo presupuesto. Ahora bien en chile esa cantidad de dinero ya la quisiéramos, pero bueno. Ahora sobre el estilo y la mano del director podría afirmar y creo no equivocarme que se reconoce en este director una forma de hacer cine. Es su conocida cinepatia y el hecho de que el es un cinéfilo lo que le permite tener ideas frescas y aparentemente novedosas. Ahora bien esta formula podría cuestionarse, pero así el accede y saca elementos de todas partes en una constante fusión reinterpretativa, lo que finalmente al fundirse termina en un posible estilo. Para terminar me gustaría destacar los diálogos y el cómo interactúan el boxeador y su pareja. En ellos se denota una visión de mujer independiente que sabe lo que quiere y que no titubea al pedirlo, reflejando una mujer más actual. Existe un diálogo en donde ella le pide explícitamente placer a su pareja, mostrándonos en esta situación una mujer que asume su sexualidad y que exige retribución para no sólo sentirse como un objeto sexual.

LA MUERTE DE UN BURÓCRATA (Película)

Esta película comienza con la muerte de Francisco Pérez, un trabajador del proletariado bastante ejemplar y buen ciudadano (como se hizo notar constantemente en la película). Después de ser enterrado, su viuda realiza los trámites correspondientes para poder adquirir la pensión por la reciente muerte, entonces, es aquí donde nace el conflicto de la película propiamentetal. A este trabajador ejemplar lo han enterrado con el carnet laboral, el cual necesitan en la administración para poder otorgar aquel beneficio de pensión, y es cuando un sobrino se encarga de iniciar los trámites para desenterrarlo comenzando un enloquecido e interminable papeleo que lo llevan a transgredir la ley y alterar su pacífica y ordenada vida. Obviamente esto es una crítica al ineficiente y engorroso sistema de tramitación pública. Si bien la crítica está reforzada con elementos de caricatura y cierta exageración esta logra que el espectador rápidamente se identifique, se ponga en el lugar del personaje y se haga participe de la película. Creo que lo particular de esta historia es que hace que uno finalmente se ria de estas situaciones, siendo que en la vida cotidiana uno reacciona generalmente ignorando el enojo, entregándose definitivamente a los largos tiempos de esperas, las derivaciones de oficinas y atención al público y el tan odiado papeleo interminable. Volviendo al tema de la crítica me llamó profundamente la atención el que una película como esta haya sido filmada en Cuba, ya que se supone o “se dice” que cuba es un país en el cual no existen las libertades necesarias que garanticen la creación de una obra que critiquen el paradigma cubano.

Para entender más el contexto en el que fue creada esta historia hay que tener en cuenta que en cuba se acababa de vivir una transformación política y social importante durante la década de los sesenta. La victoria de la Revolución en 1959 supone también el triunfo de un nuevo impulso en las artes. El cine cubano se hace cargo de este cambio, ya que una transformación de esas características no puede ser obviada por este medio de expresión. Es así como surge un cine que exterioriza las preocupaciones mas intimas de los realizadores, que se vuelven para mirarse a si mismos y a la sociedad en la que están inmersos, creando a la vez un estilo particular. Me refiero a que el cine cubano tiene una identidad propia, que se distancia de las maneras de producción industriales de Hollywood.. Una de las formas es buscando una manera propia de hacer cine, instaurando mezclas de géneros y probando nuevas formas de narración. La cinematografía cubana busca su propio ritmo y mira desde su sociedad para construir memoria, haciendo que cada obra cinematográfica sea una ventana de la realidad, una especie de maquina del tiempo que nos muestre, cual si fuera un documental dentro de la ficción, los acontecimientos que ocurrían en su contemporaneidad.

El cine cubano de los sesenta es auto referente a cada instante, comparte la misma preocupación social que otras cinematografías latinoamericanas. Si vemos “La Muerte de Un Burócrata”, que es una comedia (de humor negro, a veces bastante negro) y vemos una película mexicana de Cantinflas, que también es comedia, vemos que en ambas, paralelamente al desarrollo de la historia, van mostrándonos imágenes de la situación social del país de origen, vale decir, las relaciones humanas entre los vecinos de una población, la rutina de las personas, el agobio, la pobreza y la manera en que la gente lucha por sobrevivir en esta pobreza. Creo que la gran diferencia es el cómo se resuelven las historias, por un lado Cantinflas recurre al clásico y predecible final feliz, mientras que el cine cubano se manifiesta con una visión más crítica.

Como conclusión puedo afirmar que el cine cubano es uno de los grandes referentes para la cinematografía latinoamericana, ya que sus películas además de influenciar muchas generaciones de cineastas, están más vivas que nunca, ya que sus temáticas están aun están vigentes… injusticia social, burocracia, pérdida de identidad, pobreza y desigualdad, etc.

Cine CyberPunk de Japón...

El Cyberpunk japonés es una explosión de estímulos descontrolada en un viaje único letal e inolvidable. Un asalto sensorial violento que arbitrariamente te involucra y sumerge en otra realidad. El tiempo en que estas atrapado viendo la película te sumerges en pesimistas mundos posibles y en historias que llevan al extremo la condición humana.

¿Pero qué es el cyberpunk japonés extremista?

Es un subgénero underground que nace en Japón a principios de los 80. Se caracteriza por tener elementos de extrema violencia, (tortura, episodios sexuales bizarros, cuerpos invadidos por extrañas modificaciones, la fusión de la vida la muerte y los materiales,) además de poseer una visión pesimista del futuro cercano en un mundo post industrializado.

A diferencia del género de donde proviene, este es crudo y experimental. Las imágenes se suceden en un montaje de ritmos parecidos al del video clip, impregnado vértigo y nuevas asociaciones que re-significan la imagen anterior. El mensaje de la película no se entiende necesariamente siguiendo la narrativa clásica, ya que más valor tienen las imágenes y los símbolos y es a través de su significación donde reside la importancia real de la película.

El valor de estas obras radica básicamente en su poderío audiovisual y en su forma original para narrar. El estilo audiovisual se determina por la experimentación y la mezclas de diferentes métodos para la elaboración de imágenes. La banda sonora y la música se genera utilizando sonido generalmente “sampleados” de los escenarios creando así atmósferas únicas que fácilmente te trasportan al mundo propuesto por el autor.

Las producciones son generalmente de bajo presupuesto y de carácter “guerrilla” (cine ejecutado sin permisos, filma y corre), por lo que la mayoría de las veces los escenarios son reales. Ahora hay que mencionar que la elección de las locaciones es brillante – mención aparte el como mágicamente son fotografiadas- siendo esto lo que permite re-significar una fabrica abandonada en algo que va más allá. Es así como un viejo cable telefónico se puede fusionar con metal y otros elementos y convertirse en otra cosa, dando vida a formas no vistas antes y otorgándole una nueva oportunidad de ser a lo que fue creado para algo especifico. Existe también la reutilización de lo desechado. Reciclaje y reasignación sirven de base para insertar a personajes normales en un proceso de metamorfosis, hombre maquina, hombre monstruo. Esto apoyado a veces con secuencias que no parecen tener relación alguna con la trama, dotando al film de nuevas lecturas y exquisitas distracciones.

Otro aspecto interesante son las actuaciones. Casi me atrevería a decir, que tiene una marcado carácter expresionista, al borde de la sobre actuación, sin embargo tiene esa extraña particularidad que siendo más que intensas, son creíbles. El “gore” forma parte de estas películas, sin ser un elemento fundamental. Me parece que son más los efectos y las torturas físicas o sicológicas lo que entrega a estos films la etiqueta de fuertes. La sociedad fría e individualista, sumida en un caos de trabajo y desorden, terminan por ser un claro aviso hacia donde vamos. Proféticas o no, creo que es un genero delirante y netamente estimulante de los sentidos… la mente vuela, a veces caes en la idea fija de querer entender más allá de lo que se puede… este bombardeo de imágenes y sonidos es para disfrutar…si quieres o pretendes entender, siempre hay una tercera ver para visionar la película.

Películas que debes ver:

· Tetsuo: The Iron Man (1989)

· 964 Pinocchio (1991)

· Tetsuo II: Body Hammer (1992)

· Rubber's Lover (1996)

Otras recomendadas:

· Death Powder

· Electric Dragon 80,000V

· Guinea Pig: Android of Notre Dame

· Hellevator: The Bottled Fools

· I.K.U.

· Save the Green Planet