Roy Pacheco

Roy Pacheco es un ciudadano Chileno radicado en Arica, profesor de Inglés, egresado de la Universidad de Chile.
Está dedicado, prácticamente desde el año 1969 a la recopilación y colección de la música y el séptimo arte en general, principalmente de rock progresivo y cine clásico respectivamente.
Si lo sintetizamos aun más, podríamos decir que Roy es un amante de la buena música, del buen cine y la buena mesa. Todo esto encapsulado desde una óptica particular e irónica de su entorno.
En el año 1974 tuvo su propio programa en una radio local de Arica, el cual presentaba música progresiva, amenizado con una buena conversación, en el cual intervenían invitados de turno. Ahora los invitamos a ver y disfrutar la entrevista que Insurrectal le realizó en su propia casa.

Marcelo Ibarra

Empezamos ya con un improvisado mini video con el "Gato" Marcelo Ibarra, quien nos explica brevemente detalles de su vida y su posterior evolución. Marcelo quien era uno de los delincuentes más buscados del Norte de Chile se convirtió en un artista experimental y en una gran persona. En sus tiempos fue famoso por sus ingeniosas fugas, las que aparecían en los diarios, así como en diversos medios de comunicación, pero decidió cambiar y cambió. Él es una de esas pocas personas que ha demostrado que la rehabilitación es posible y que sí un ser humano se propone trasformar su forma de vida, puede logarlo luchando con esfuerzo y dedicación.
El "Gato" se ha convertido en un artista y motivador, estando alejado desde 1998 del delito, estando concentrado en la autogestión, el trabajo y la creación de vínculos de confianza y amistad.

Pedimos disculpas por el sonido, pero ya aprenderemos a tener un mejor sonido directo en condiciones adversas (Viento fuerte)...

Escalera musical del Metro

Después de un tiempo de receso con mi compañero de blog hemos decidido trasformar este espacio en un video blog, a partir del jueves de la próxima semana iremos subiendo diferentes entrevistas y notas para seguir compartiendo temas interesantes, además de dar a conocer diferentes personajes de la ciudad de Arica.

Respecto a la idea de la escalera musical solo agregar que me parece realmente fantástica, ya que aparte de romper con la monotonía sonora, ayuda a ejercitar a los sedentarios usuarios del trasporte, quienes ahora tienen una motivación para no usar la escalera mecánica. A todo esto hay que recordar que la idea anterior fue detallada en un spot publicitario que se emitía en el metro de Roma, donde una hombre y una mujer de la mano subían la escalera luciendo unos traseros privilegiados, nalgui-contorneados esbelto-musculosos…invitando a los usuarios utilizar la vieja tecnología ya que estaba directamente relacionada con la belleza y la salud.

El "Hermano Pobre" de Metallica

Cuando amediaba Octubre de 1986. Jason Newsted había sido elegido el nuevo bajista de Metallica, en una audición que había convocado a un centenar de otros músicos, y seguramente debe haber sido triunfal su "logro", ya que entre otros bajistas, también audicionó Les Claypool de Primus, por fín el muchacho de Michigan había logrado incorporarse a la banda más importante del ThrashMetal. Cabe recordar que los ánimos en Metallica no eran de los mejores. Hacía un mes que habían perdido a su compañero y amigo Cliff Burton en un accidente de bus, durante la gira de "Master of Puppets".

Hetfield, Ulrich y Hammett se encargaron de "hacércela difícil" al nuevo miembro de la "familia". El recibimiento que tuvo Jason durante sus primeros días dentro de la banda fué realmente lo mejor que le podría suceder a un músico, pues había llegado a las grandes ligas, ahora sus posibilidades habían aumentado de 1 a 100, ahora era el bajista de Metallica,...los Led Zeppelin de nuestra generación. Hetfield y Cía. se encargaron de hacerle saber a Newsted que ahora él era parte de la gran hermandad que existe dentro de la banda, los proyectos eran infinitos y ahora él era tan importante dentro del grupo como el resto. Y comenzaron rápido, pues su continuum de la interrumpida gira de "Master of Puppets" se llevó a cabo el 8 de noviembre de 1986 en Reseda, California.

Luego del fugaz lanzamiento de "The $5.98 E.P. Garage Days Re-Revisited" es un EP lanzado por la banda en agosto de 1987. Fue grabado en el garaje de Lars Ulrich en San Francisco. Era la primera grabación que la banda hizo con Jason Newsted en el bajo.La banda incluyó el precio en Dólares en el título (que fué impreso en la cubierta) en un esfuerzo de asegurarse de que los fans no pagaran excesivamente por él.
En 1988 lanzaron su álbum más técnico hasta la fecha. "...And justice for all". Un exitoso disco que fué promocionado por una extensa gira que duró casi 2 años llamada “Damaged Justice Tour”, en la cual Jason Newsted tuvo que soportar numerosas bromas de todo tipo por parte de sus compañeros de grupo; solían entrar a su habitación del hotel y arrojar todas sus pertenencias por la ventana mientras le gritaban “¡bienvenido a la banda!”, o le ponían una gran cantidad de wasabi en las comidas mientras iba al baño, o le decían a los trabajadores de los hoteles "cuidado con ese tipo!...es gay!". Pero eso es lo menos importante que Jason tuvo que aguantar. Pues las pistas del bajo del álbum fueron sacadas de cuájo, le dijeron a Flemming Rasmussen que silenciara el bajo con más guitarras, pues consideraban que no era apropiado que destacase tanto, como si fuera un acto de respeto ante la figura de Cliff Burton.

Pero el éxito total llegó en 1991, cuando lanzaron su 5to álbum en estudio, el homónimo disco de carátula negra con una serpiente, más conocido como "The black album", el disco incluía 4 singles con video promocional, luego de haber vendido 14 millones de copias solo en USA. Con semejante éxito, la banda se embarcó nuevamente en una larguísima gira por todo el mundo, que los hizo recorrer Norteamérica, Europa, Asia y Latinoamérica. A pesar de los años que llevaba como miembro de la banda, Jason seguía siendo tratado como "el nuevo" y seguía siendo blanco de las bromas pesadas y sobre todo de la subestimación musical que recibía de sus compañeros.
Después de los 2 años sabáticos que Metallica decidió darse de descanso, editaron los álbumes gemelos "Load" en 1996 y "ReLoad" en 1997. Lo que vino después fué simplemente una recaudación multimillonaria por parte de Metallica, luego de haber grabado un disco con una sinfónica, promocionar muchos singles radiales, y además de participar en la banda sonora de "Mission Impossible II", el auje y la prosperidad se disparó a las nubes convirtiendo al grupo en una marca registrada. Jason Newsted decidió abandonar la banda, y la razón fué porque ya no soportaba las intolerancias, la tiranía y la dictadura que ejercen James Hetfield y Lars Ulrich dentro del grupo, además del bajo porcentaje que percibía en sus finazas, bajos en comparación con los otros tres. El 17 de enero del 2001 Jason Newsted decidió abandonar Metallica, con declaraciones como "abandono la banda por razones privadas y personales, por el daño físico hecho hacia mí durante los años en que he tocado la música que adoro y porque he dado lo mejor de mí en este trabajo durante estos 15 años, creo que debo dar un paso fuera de la banda". Su alejamiento dio lugar a especulaciones. Se dijo que era por la poca participación que le permitían tener en el grupo, por la falta de respeto continua hacia su persona, y por las constantes discusiones y la "prohibición" por parte de Hetfield de que Jason tuviera otros proyectos paralelos a Metallica.

Es así como Jason Newsted le dijo "adios" a los mejores años de su vida y a estos tres hipócritas, quienes se presentaron como su "nueva familia" al momento de informarle que sería él, el nuevo reemplazo del legendario Cliff Burton.

Muere sex symbol del Doom Metal

Hoy una noticia ha conmocionado al mundo del rock y del doom metal. A los 48 años, dejó de existir el líder de la banda Type o Negative, el cantante Peter Steele. Con las primeras horas de su muerte, se pensó que era un falso rumor. Porque años atrás, en el 2005, se le había dado por muerto por su propia banda, cuando publicara una lápida con su nombre en la página oficial del grupo, que rezaba “Peter Steele: 1962 - 2005… Libre por fin”, aunque luego resultó ser una estrategia de marketing.

Lo cierto es que después de ese episodio, Peter se borró del mapa. Abandonó a sus compañeros y se dice que realizó un retiro espiritual en todo este tiempo. Algunos hablan que estuvo en un hospital psiquiátrico.

Controvertido y misterioso hasta la muerte, Peter siempre dio que hablar. Desde su extrema personalidad hasta su tendencia a la depresión. Nunca se supo mucho de su vida íntima. Le inventaron miles de enfermedades. Desde cáncer hasta el sida. También le colgaron miles de romances. Pero nada de eso se comprobó. En 1995, el controvertido músico, oriundo de New York, apareció desnudo con su pene erecto en un número de la revista Playgirl. Desde ahí, creció su fama de sex symbol.

A pesar que áun no se saben las causas reales de su deceso, se habla de un ataque cardíaco, al menos eso dijo una amiga cercana del músico vía twitter.

California podría legalizar marihuana con fines recreativos

En algunas regiones del continente americano se permite la compra y venta de marihuana para fines médicos, sin embargo el estado de California, en Estados Unidos, podría ser el primer lugar donde se aprobase para fines recreativos.



Se permitirían hasta 30 gramos de posesión y también plantar dos metros cuadrados de la planta en su casa, pero con el pago de imposiciones. Además habría que ser mayor de edad.



Hace 14 años que en California se puede comprar marihuana para fines médicos, pero ahora se analiza que sea para cualquier uso, de manera que cualquier ciudadano residente en ese estado tendría libre alberío de comprar, por ejemplo, unos 40 gramos de canabis tranquilamente. No sólo porque se consiguieron las firmas necesarias en el referendo y sino también porque se estima que reactivaría la economía.



Los opositores aseguran que aumentará la criminalidad.

Videojuegos y Música

El acercamiento predominante de los videojuegos en formato CD fue, a pesar de la mejora que había experimentado el hardware sonoro, aprovechar la reproducción directa de sonido pregrabado. Contar con música completamente regrabada tenía muchas ventajas en cuanto a calidad sonora respecto a la secuenciación: podían usarse tantos instrumentos como se quisiera en la producción en estudio, grabando una sola pista que sería reproducida durante el juego. La calidad era el único factor limitante en cuanto al esfuerzo dedicado a la grabación de la propia pista. Los costos de almacenamiento que previamente habían preocupado mucho fueron en buena medida atajados con la llegada de los medios ópticos, que se convertiría en el medio de distribución preferido para videojuegos. La calidad del CD audio permitieron músicas y voces realmente indistinguibles de cualquier otra fuente o género de música.

Poder reproducir la propia música durante un juego solía suponer en el pasado quitar el sonido del juego y usar un reproductor de música independiente. Algunas excepciones primitivas fueron posibles en los juegos de ordenador, donde el sistema operativo permitía apagar la música del juego y tener un programa de reproducción de sonido funcionando en segundo plano.

Algunos juegos de PlayStation soportaron esta característica al permitir cambiar el CD del juego por un CD de música, pero cuando el juego necesitaba leer datos, había que volver a cambiar el CD. Uno de los primeros de la nueva era moderna, "Ridge Racer", se cargaba íntegramente en RAM, permitiendo al jugador insertar un CD de música como banda sonora durante toda la partida, Xbox.


No fué hasta la llegada de las consolas de sexta generación, concretamente la Xbox, cuando la habilidad de copiar música desde un CD a su disco duro interno permitió a los jugadores utilizar su propia música más fácilmente durante las partidas. Ésta característica, llamada Banda Sonora Personalizada, tenía que ser habilitada por el desarrollador de cada juego. Además, ha sido conservada en la Xbox 360.



Muchos de los juegos lanzados para la NES y otros sistemas antiguos presentaban un estilo parecido de música que podría ser descrito como el «Género de videojuegos» en términos de composición, en contraposición a simplemente la «Música de videojuegos» que aparece en un videojuego o es reproducida en una consola de videojuegos. Algunas características de las composiciones de este género siguen influyendo sobre mucha música, aún en éstos días. Aunque las bandas sonoras de videojuegos actuales tienden a emular a los Soundtracks cinematográficos más que este género clásico. Las características de las composiciones de este género pueden haberse desarrollado gracias a restricciones técnicas, además de las influencias de grupos musicales tecnopop como Yellow Magic Orchestra, que eran bastante populares durante el periodo en el que la música de videojuegos adquirió sus rasgos más distintivos, los cuales hicieron un estílo incomparable con ningún otro, muy original. Las características de este género incluyen:

* Las canciones casi siempre tienen secciones principales o «secciones estrofa» consistentes en progresiones de acordes de cuatro o más acordes (parecido a buena parte del J-Pop y del pop occidental de los años 1980), frente a las progresiones de dos acordes presentes en la mayoría de las canciones pop occidentales. El «estribillo» de las canciones también contienen a menudo cuatro o más acordes diferentes en sus progresiones. En general, habría un mayor número de secciones en una canción de este género que en una canción pop parecida, pues esto ayuda a reducir el aspecto repetitivo de la música, al reproducirse normalmente como un bucle contínuo.
* Las canciones presentan una fuerte sincronización entre instrumentos, de forma que sería difícil de tocar para una sola persona. Por ejemplo, aunque los tonos disponibles en la música de la NES pueden asimilarse a emular una banda rock tradicional de cuatro instrumentos (usando la onda triangular como un bajo, dos ondas cuadradas como dos guitarras, y el canal de ruido blanco como la percusión) y a pesar de que la música pop y rock de la época influyó en la música de videojuegos, los compositores se alejaban de su camino al componer secuencias de notas complejas y rápidas. Esto se ha comparado con la composición musical durante el periodo barroco, en el que se creía que los compositores compensaban las carencias de instrumentos tales como el clave (que no permitía la expresión musical basada en el volúmen del sonido) concentrándose más en los embellecimientos musicales. Los compositores de música para videojuegos también estaban limitados en términos de polifonía, es decir en la cantidad de notas que podían tocarse simultáneamente; por ejemplo, sólo tres notas simultáneas podían tocarse en la NES. Se dedicaba una gran cantidad de esfuerzo en crear la ilusión de que se tocaban más notas. A finales de 1990 habían surgido grupos musicales que aprovechaban estas técnicas. Uno de ellos es The Minibosses, que intentaban emular estas melodías tan fielmente como fuera posible usando instrumentos reales. Otro es The NESkimos, que optaron por explorar estas canciones artísticamente y crearon otras nuevas a partir de ellas.



Apreció por la música de videojuegos, particularmente por la música de las consolas de tercera y cuarta generación, y a veces también de las posteriores, sigue hoy en día con una fuerte representación de seguidores y compositores, incluso en ausencia de los videojuegos. Las melodías y temas de hace 20 años sigue siendo reutilizada en las nuevas generaciones de videojuegos. Temas del Metroid original de Hirozaku Tanaka pueden oírse todavía en los nuevos juegos de la saga, arreglados por Kenji Yamamoto.

Las bandas sonoras de videojuegos se empezaron a vender en CD (separadas del videojuego) en Japón mucho antes que cualquier otro país. Los discos interpretativos o remezclados y las actuaciones en vivo fueron también un variante común a las bandas sonoras originales. Koichi Sugiyama fué un personaje pionero en esta práctica, y tras el lanzamiento del videojuego Dragon Quest en 1986, se publicó un disco de sus composiciones grabado en vivo e interpretado por la Orquesta Filarmónica de Londres (y más tarde por otras, como la Orquesta Filarmónica de Tokio y la Orquesta Sinfónica NHK). Yuzo Koshiro, otro pionero, publicó una grabación en directo de la banda sonora de Actraiser. Las composiciones de Koshiro para Ys, junto con las de Mieko Ishikawa e Hideya Nagata, tendrían un impacto tan profundo que los CD de música de Ys superan en número de lanzamiento a todos los demás CD de música de videojuegos.

Como las de los animes, estas bandas sonoras e incluso libros de partituras solían ser comercializados exclusivamente en Japón. Por esto, los jugadores no japoneses interesados en ellas tenía que importarlos a través de firmas específicamente dedicadas a ello. Esto ha sido en cierta forma un problema menor en los últimos tiempos a medida que los editores locales de anime y videojuegos han publicado versiones de estas bandas sonoras, si bien sólo de los títulos más populares la mayoría de las veces.

Otros compositores originales de los temas más recordados de esta época han seguido realizando conciertos sinfónicos en vivo, interpretando sus trabajos para videojuegos. Koichi Sugiyama fue otra vez el primero en realizar estos conciertos, empezando en 1987, con su Concierto de Clásicos Familiares, que ha seguido realizando casi anualmente. En 1991 también lanzó una serie titulada Conciertos Orquestales de Juegos, notable por incluir a otros dotados compositores de música para videojuegos como Yoko Kanno (Nobunaga's Ambition, Romance of the 3 Kingdoms, Uncharted Waters), Nobuo Uematsu (Final Fantasy), Keiichi Suzuki (EarthBound) y Kentaro Haneda (Wizardry). Incluso compuso en 1995 un ballet para Dragon Quest.

La popularidad global de la música para videojuegos comenzaría a aumentar repentinamente a raíz del éxito de Squaresoft, particularmente de Chrono Trigger, Final Fantasy VI y Final Fantasy VII. Las composiciones de Nobuo Uematsu para Final Fantasy IV fueron arregladas para Final Fantasy IV: Celtic Moon, una actuación en directo de músicos de cuerda con una fuerte influencia celta grabada en Irlanda. El Love Theme de este mismo juego ha sido usado como pieza educativa musical en las escuelas japonesas.

El 20 de agosto de 2003, por primera vez fuera de Japón, música escrita para videojuegos de todo el mundo, desde Final Fantasy hasta The Legend of Zelda, fué interpretada por una orquesta en directo, la Orquesta Sinfónica Nacional Checa, en un Concierto Sinfónico de Música de Videojuegos celebrado en Alemania. Este evento se celebró como ceremonia oficial de apertura de la mayor feria de muestras de videojuegos de Europa, la Games Convention, la cual se repitió en 2004, 2005 y 2006.

El 17 de noviembre de 2003, Square Enix lanzó el canal Final Fantasy Radio en America Online. Esta emisora de radio incluyó inicialmente temas completos de Final Fantasy XI y Final Fantasy XI: Rise of Zilart, y fragmentos desde Final Fantasy VII a Final Fantasy X.

El primer concierto oficial de música de Final Fantasy fué interpretado en Estados Unidos por la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles en el Walt Disney Concert Hall el 10 de mayo de 2004. Todas las localidades para el concierto fueron vendidas en un solo día, y el espectáculo fué representado en varias ciudades de Estados Unidos.

El 6 de julio de 2005, la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles también dio el concierto Video Games Live, financiado por dos compositores de videojuegos en el Hollywood Bowl. El concierto incluyó una amplia variedad de música de videojuegos, desde Pong a Halo 2. También incluyó vídeos en tiempo real sincronizados con la música, así como efectos especiales de luz y láser.